Glorario completo en Moldeando la Luz – la red social de fotografía de GUENDY.

Los rigores de la post-guerra empujaron a la familia de Eduardo Úrculo (Santurce, 1938 – Madrid, 2003) a trasladarse siendo él muy pequeño (1941) a Sama de Langreo, que entonces era una próspera, población de la cuenca minera asturiana. En dicha localidad transcurrió su infancia, que como ocurriera a tantos otros niños españoles estuvo marcada por rígidas penurias y el abandono de los estudios para poder trabajar, caso de Úrculo, como ayudante de topografía en una empresa minera.

Eduardo Úrculo, un pintor determinante en la historia de la vanguardia artística en España como impulsor del POP ART, corriente donde su obra se manifestó con un lenguaje más audaz y personal. La pintura de Úrculo está hoy en los Museos de Arte Moderno más importantes del mundo y forman parte de las colecciones particulares más importantes de Europa y América.

Úrculo se propone a través de su arte (pinturas y esculturas), retratar sensualmente el mundo, la vida, las pasiones, la naturaleza en la que se desenvuelve. Dice al respecto: “el hombre, sus sentidos, miradas, objetos y representaciones, pueden abrir “su espacio” al máximo de experiencias y emociones”.

El 31 de marzo del 2003, cuando en compañía de su esposa, Victoria Hidalgo, asistía a un almuerzo en la Residencia de Estudiantes de Madrid, falleció repentinamente a causa de un ataque cardíaco. Hasta ese momento, el artista estaba lleno de vitalidad y de proyectos; tan sólo tres semanas antes había asistido en Pekín a la inauguración de una exposición antológica de su obra y para julio tenía prevista su primera muestra en Nueva York, en la Galería Galander O’Reilly, proyecto que llevarían adelante su viuda y el hijo del pintor, Yoann, nacido de su primer matrimonio con la francesa Annie Chanvallon.

EN EL DESARROLLO DE SU OBRA SE APRECIAN DIFERENTES ETAPAS

A continuación entresaco y dejo aquí  unas breves notas que, a mi entender, pueden mostrar las ideas eje para adentrarse  en la vida y obra de este singular personaje vasco de nacimiento y asturiano de adopción, sin duda, una de las figuras más representativas de nuestro arte moderno contemporáneo.

_Etapa de transición y de sus primeras creaciones (Años 50 y 60): se dedicó a pintar el ambiente deprimente de las fábricas y los suburbios con una clara intención de denuncia. Las obras pertenecientes a esta época han sido catalogadas por la crítica como «pintura social» o «expresionismo social». Durante este tiempo viaja a París en varias ocasiones y tiene la oportunidad de ver con nuevos ojos muchas de aquellas obras que siendo niño, en el instituto, tantas veces había conocido y admirado a través de las imágenes en blanco y negro de los libros de pintura.

A mediados de los 60 Úrculo atraviesa una fuerte crisis creativa que le hizo abandonar la «pintura social», y le lleva a instalarse en Ibiza, _en aquellos tiempos auténtica meca del movimiento hippy_. Este período de transición y profundo cuestionamiento de su práctica pictórica acabó un año más tarde, cuando en un viaje por el norte de Europa, descubrió -en una exposición antológica de POP ART americano en Estocolmo- lo que con tanto afán había buscado en Ibiza: <<un nuevo lenguaje creativo>>

_Etapa conocida como «época erótica» (años 70): Su pintura enseguida se imbuyó de los postulados del POP ART, lo que técnicamente se tradujo en el abandono del óleo por el acrílico y en la utilización de una paleta de colores mucho más cálida, cromáticamente más próxima al mundo de la publicidad y el cómic. En lo temático, su pintura también experimentó cambios substanciales: su máximo referente pasó a ser el cuerpo femenino, que, ya entero o fragmentado, lo representó en sugerentes posiciones. Fue durante este periodo cuando en 1975, coincidiendo con el embarazo de su esposa, enriqueció su repertorio iconográfico con un nuevo elemento, “la vaca”, con el que quiso simbolizar la fertilidad y la maternidad.

Las obras realizadas durante este “segundo” período, que abarcaría los últimos años sesenta y toda la década de los setenta, no tuvieron  nada de banales , si tenemos en cuenta el contexto y la situación política de la España de aquella época. El mismo Úrculo, precisamente para reafirmar  el carácter transgresor de dichas pinturas, diría: «Mis trabajos de entonces participaban de algún modo de la llamada “revolución sexual”, tenían un propósito de lucha, de autoafirmación frente al <<sistema represivo de la época ».

_Etapa de consolidación artística: es a  partir de los 80 cuando para Eduardo Úrculo realmente se abre un periodo de exploración de nuevos caminos y encuentra esas formas nuevas de “creación propia”, que son los que mejor identifican al artista y le dieron fama universal. Los motivos autobiográficos irán desplazando paulatinamente a los anteriores: la soledad del hombre moderno, la figura del viajero errabundo o la relación del artista con su obra, quedará plasmada en el lienzo a través de esos inquietantes personajes, ataviados con sombrero y siempre de espaldas al espectador. Úrculo dijo: “estas figuras ensimismadas y de mirada ausente pretenden ser una representación existencial del hombre  como protagonista solitario de un periplo vital-metafórico, y que  bucea en los espacios de lo íntimo y mucho más allá de la ciudad vacía”.

Esculturas: además de sus pinturas Úrculo es muy conocido por sus monumentales esculturas emplazadas en lugares públicos, como: El regreso de Williams B. Arrensberg (1993), en Oviedo – Exaltación de la manzana (1996), en el parque Ballina de Villaviciosa -  o El viajero (1991), en la estación de Atocha de Madrid – entre otras. Uno de sus legados más representativos en este ámbito es una enorme figura de bronce situada ante el Teatro Campoamor de Oviedo, titulada gráficamente “Culis Monumentalibus” (2001) – (los culos femeninos fueron un motivo recurrente en muchos de sus trabajos desde los primeros años setenta, cuando su voz artística era, sin duda, una de las que se sublevaban abiertamente contra el conservadurismo católico que vertebraba la ideología de la dictadura de Franco -)

…regresamos a donde partimos.

Y si alguien nos llama desde un lugar lejano,

dejamos la chaqueta sobre cualquier silla…y salimos…

y nos olvidamos  del mensaje que nos escribieron en la mano,

Y repetimos, ¡Que no nos aten a ningún muro!

Que siempre me encuentren haciendo y deshaciendo caminos,

la maleta sobre el cemento… sin palabras aprendidas…

Debe ser fascinante contemplar todos los horizontes,

sentarse en la calle, y escuchar

las voces de la  mañana,

la música del ruido…y la fuerza de la máquina,

la luz de las miradas…y repartir  sombras bajo la lluvia,

ataviadas de sensualidad y múltiples emociones…

Como nos quiere decir Úrculo, cada uno de nosotros “es protagonista solitario de un periplo vital-metafórico propio, donde buceamos en espacios de lo íntimo y mucho más allá de la ciudad vacía”.

Nota: Para elaborar esta reseña sobre la vida y obra de Eduardo Úrculo me he apoyado en el contenido de los documentos cuyos enlaces acompaño y en la relectura del libro “El Extranjero” de Albert Camus, ilustrada con dibujos de Úrculo. He de reconocer que cuando leí por vez primera este libro (hace casi 30 años) Eduardo Úrculo era para mi un descocido y las ilustraciones me pasaron desapercibidas. Al mismo tiempo digo que hoy el libro de Camus tiene para mi un valor añadido que me resulta difícil expresar. Ha sido con esta segunda lectura cuando de verdad he comprendido la grandeza de ambas obras. El libro es una magistral denuncia de la ausencia de valores en nuestro mundo contemporáneo y las ilustraciones de Úrculo parecen pensadas expresamente para esta novela , antesala del merecido premio Nóbel concedido a su autor.

Video: al visualizar el video que acompaña este texto podemos hacernos una idea de como los colores primarios e intensos destacan con fuerza en sus pinturas, siempre despojadas de detalles superfluos. Su maestría técnica como dibujante es calificada por los grandes expertos del arte como “superlativa” porque usando formas aparentemente simples,  logra transmitir “múltiples evocaciones”.

la vanguardia del modernismoy del Art Nouveau

París. Parada en Montmartre,

aspas de molino que no cesan, centelleantes.

Callejuelas que llevan  al music- hall del Molin Rouge,

En el cartel una bailarina muestra los pliegues y olas de su falda.

Un pintor sonríe lleno de alcohol y “ una felicidad” ficticia,

Ese cartel es su obra.

Ella es su bailarina preferida, su mejor amiga, y se llama  Jane,

El es un famoso pintor de sentimientos y expresiones,

trágico, complaciente, deforme, aparentemente alegre… .

Hay bullicio en el local y silencio en los palcos,

en el escenario la bailarina despliega, sus alas,

levanta sus faldas, colores rojo, blanco, amarillo y negro,

un frenesí de cuerpo en movimiento,

sueños en organdí…

Es la noche de París,

la promesa de la belleza?,

su amor tormentoso por Susanne?,

la libertad desbordada?:

“La Boheme…”

Antes de que la noche se rompa,

Jane seguirá enganchando a todos con su cuerpo

en placeres nocturnos,

sabores de can-can,

de despedidas y desamores…

Belle Epoque.

Son las noches de París.

TOULOUSE LAUTREC

Breve Pincelada sobre su vida

Henri Toulouse-Lautrec, (Francia 1864 -1901). Desde 1974, con sólo 10 años, padeció una enfermedad, consecuencia de la endogamia//consanguinidad de sus padres  que le impidió crecer y que afectaba al desarrollo de los huesos. Su altura sólo alcanzó a  1,52 m. Este hecho es determinante no sólo en lo personal sino también para que llegase a ser muy pronto uno de los pintores más geniales de todos los tiempos.

En 1884 marcha a París y se instala en Montmartre. La fascinación que sentía por los locales de diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos con asiduidad y hacerse cliente habitual de algunos de ellos como el Salon de la Rue des Moulins, el Moulin de la Galette, el Moulin Rouge, Le Chat Noir o el Folies Bergère. Hasta el extremo de que todo lo relacionado con este mundo, constituyó  el tema  principal de su extensa  producción artística.

Toulouse Lautrec pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. “Lautrec, quien se sentía rechazado por la nobleza a la que pertenecía por su origen (Conde de Lautrec), en Montmartre  pudo dar rienda suelta a su espíritu  bohemio”. El alcoholismo, unido a otras enfermedades víricas hicieron mella en su salud, tanto que a partir de 1897 padecía neurosis, y delirium tremens, teniendo que ser recogido en algunas ocasiones de las calles. En 1999 fue internado en un sanatorio mental. Pero hasta en esos momentos tan críticos, Toulouse Lautrec seguía pintando de forma rápida y firme.

La obra de Toulouse Lautrec:

Toulouse Lautrec fue un pintor y cartelista que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Fue también el primer pintor que, en vida, logra poner su obra en el Louvre. Es Considerado un genio de la pintura universal.

Toulouse Lautrec, que representa la vanguardia del modernismo y del Art Nouveau, tuvo hasta su muerte una “impresionante memoria fotográfica” que se refleja en su obra.

A Toulouse Lautrec se le enmarca habitualmente en la generación del postimpresionismo, sin embargo, al contrario que los artistas impresionistas, a él nunca le interesó el género del paisaje y prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial, que le permitían jugar con los colores y encuadres de forma subjetiva. Opinaba que lo que verdaderamente valía la pena eran las personas, el pueblo. Lautrec  se consideraba a sí mismo un cronista social

Muy observador, le atraían la gestualidad de los cantantes y comediantes, y le gustaba ridiculizar la hipocresía de los poderosos, que rechazaban en voz alta los mismos vicios y ambientes que solían degustar en privado.

Su gran popularidad radicó en sus ilustraciones para revistas y carteles publicitarios más que sus pinturas al óleo

La obra de Toulouse-Lautrec tiene un estilo fotográfico propio con el que se corresponde la genialidad y asombrosa capacidad de este pintor para captar la espontaneidad y el movimiento en sus escenas y sus personajes. A ello hay que añadir la originalidad de sus encuadres, influencia del arte japonés, que se manifiesta de forma muy bella en las líneas diagonales y el corte repentino de las figuras por sus bordes.

Destaca su extensa producción de carteles y litografías…De hecho son mundialmente conocidos sus carteles sobre Aristide Bruant, Jane Avril, la litografía de “El diván japonés” o sus oleos “el beso”, “las dos mujeres” y varios sobre  “ baile en el Moulin de la Galette “

En 1922 su madre y su tratante abrieron el Museo Toulouse-Lautrec en Albi (su ciudad natal), que hoy es uno de los más visitados de Francia.

Su apasionante vida está recogida en la literatura y en el cine.

Entre los libros publicados con su biografía está:

“Henri Toulouse Lautrec: la obsesión por la belleza -Autor: Luis Fernándo Afanador-ED. Zendrera”

Película: “Moulin Rouge” (1952), dirigida por John Huston. Con 7 nominaciones al Oscar. narra la vida de Henri de Toulouse-Lautrec . Los interpretes principales son  José Ferrer y Zsa Gabor. Es una película francesa considera una de las mejores biografías sobre este artista

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La mujer pintada por MANET, domina el ambiente,
entre aires de realidad y pinceladas sugeridas…
Manet pinta la vida como la siente,
sin adorno, barroquismo ni misticismo.

La metáfora no tiene cabida en su paleta de colores y sus obras más famosas,
“Desayuno sobre la hierba” y “Olympia”
levantan el grito puritano de la época,

¿Porqué mostrar una mujer desnuda entre dos hombres vestidos se pregunta el burgués de la calle mayor?

¿Qué hace una mujer así, “desayunando sobre la hierba” y
provocando con su mirada desafiante a la brisa de la mañana?.

Pero así es como pinta Manet a sus musas.
en un bosque espeso
la mujer cercana y clara…
de apariencia bucólica y a vez realista,
entre contrastes de luces y sombras,
claroscuros de la sociedad que él ve y nos presenta.

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Olympia extiende su desnuda piel sobre el diván,
manos de viento que acarician,
mirada desafiante,
a los mirones de los museos,
a los hombres de la calle o de los salones,
despreocupación y abandono,
una mujer que nada guarda… salvo las lágrimas.

Manet juega con sus musas
forma composiciones triangulares,
que las interrelaciona en el ambiente,

No se le perdona a Manet que no haya subido al Olimpo
a buscar “musas-diosas” para representar la mujer.
El prefiere la mujer de la calle,
calles estrechas por las que transita a diario, y donde
las encuadra,
las desnuda,
las empasta con su pincel rápido,

Así es la mujer que pinta Manet

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Édouard Manet –Francia 1832 – 1883. En la obra de Manet siempre se aprecia un eclecticismo capaz de unir todo un universo de influencias, desde Tiziano a Courbet, pasando por Velázquez.

Según Bownes: “Manet buscaba crear un tipo libre de composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organizada en su superficie como los cuadros de Velázquez”.

El crítico Ernest Chesneau _(que años después sería el mayor entusiasta de la obra de Manet)_<b>escribió lo siguiente:
“El señor Manet tendrá talento el día en que aprenda dibujo y perspectiva; tendrá gusto el día en que renuncie a los temas que escoge con miras al escándalo… No podemos considerar como una obra perfectamente casta el sentar en el bosque, rodeada de estudiantes con boina y gabán, una joven vestida solamente con la sombra de las hojas… El señor Manet quiere alcanzar la celebridad asombrando a los burgueses.”

Fueron precisamente esos “defectos” que le atribuyó un día Ernest Chesneau los que constituyeron su contribución a las drásticas y enormemente fructíferas transformaciones que introdujo en la pintura moderna.

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De hecho ningún pintor del grupo impresionista ha sido tan discutido como Manet. Para algunos, fue el pintor más puro que haya habido jamás, por completo indiferente ante los objetos que pintaba, que a lo sumo tomó como excusas neutras para situar contrastes de líneas y sombras. En realidad Manet nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Su trabajo inspiró el estilo impresionista, pero él rehusó siempre identificarse con dicho movimiento.

¿Es Manet un realista reconocido o un impresionista por reconocer?.

Pionero del arte francés moderno, a Edouard Manet lo podemos considerar una figura a caballo entre dos mundos: El Realismo y el Impresionismo, si bien algunos han calificado su estilo como Naturalista por cuanto se basa en la observación de la realidad y en la plasmación de ésta sin violación ninguna.

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Su maestría no fue reconocida hasta una edad avanzada, cuando en 1882 pintó una de sus mejores obras, “El bar del Folies-Bergére”, lienzo que muestra la firmeza de construcción del pintor y su tendencia o contraponer grandes masas de color claras y oscuras.

Manet es el primer pintor genuinamente moderno.

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Con su obra “Desayuno en la Yerba”, Manet se situó dentro de la vanguardia cultural, dando pie a una nueva época tanto social como artística. Con su lienzo desafío al arte académico, provocó al público, pero también demostró gran calidad técnica, gran dominio del color y del dibujo, y sobre todo, un enorme respeto a los grandes clásicos de la pintura, que tuvieron en él un digno predecesor.

Dejó, aparte de muchas acuarelas y pasteles, 420 óleos.

LA MUJER en JOAN MIRO.

La obra de Miró está llena de la temática MUJER,
entre colores resaltantes, entre signos y personales descripciones.
La mujer es el universo, aunque evite la idealización,
evite las flores y evite los elogios…

En la pintura de Joan Miró, LA MUJER es:
rigor, ternura., erotismo, poesía, cotidianidad,
desnudos, bailarinas, maternidades, amantes,
Mujeres entre baladas de agua, de luna o de sol.
Mujeres cortejadas por pájaros, estrellas, seres híbridos…
Mujer fascinación, evocación a través de simples rasgos o signos,
cuerpo cubista-fauvista transformado en asperezas cromáticas,
en escritura detallista, rasgos de geometría que la esquematiza y estiliza…

Mujer incorpórea,
identificada tan sólo por el pecho, el sexo u otro atisbo característico.
La mujer es un acento,
un signo especial.
Las escuadras son el pubis.
Sus bailarinas son marionetas.

Así es el embrujo de la mujer en los lienzos de Miró

MUJER, seducción, obsesión…, el universo.
JOAN MIRÍ I FERRÁ

Joan Miró i Ferrà – Barcelona, 1893 — Palma de Mallorca, 1983, pintor, escultor, grabador y ceramista español, uno de los máximos representantes del surrealismo.

Sus primeras pinturas tienen una clara influencia en las tendencias francesas del postimpresionismo, fauvismo y cubismo. Es a mediados de la década de los 20 cuando Miró muestra su entusiasmo por el movimiento surrealista y se incorpora al mismo, manifestando su interés por abandonar los métodos tradicionales de pintura “para favorecer una forma de expresión más contemporánea”.
El drama que representaba la guerra civil española, le hizo sentir la necesidad de volver a pintar “su visión de la realidad”. Son los años 30, una etapa de transición en su pintura, en la que Miró crea esos nuevos personajes de expresiones dramáticas, simbiosis perfecta entre los signos y la figuras: fondos oscuros, pintados sobre (tablex).

Después de haber realizado el cartel ¡Ayudad a España!, para un sello postal, destinado a ayudar al gobierno republicano español, se le encargó pintar una obra de grandes dimensiones para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de 1937 <b>(en paradero desconocido). En ese mismo pabellón se expuso el Guernica de Picasso.
Tras sus continuas idas y venidas a Francia, en la primavera de 1940, Miró se establece definitivamente en Cataluña .

Una clasificación muy simple de su obra podría resumirse en las siguientes etapas:

PRIMERA ETAPA: La primera exposición individual de Joan Miró (de clara influencia cubista y fauvista) se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona en 1918, con la presentación de sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos.

ÉPOCA DETALLISTA -1920/1923: Esta tendencia se observa principalmente a partir de 1920, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, en la que el eje estructurador es el dibujo. “La masía” es la obra representativa de esta época «detallista». “La Masía” fue vendida años después, por cinco mil francos, al escritor Ernest Hemingway.

SURREALISMO MIRONIANO, 1925-1980.
Época en la que pueden diferenciarse a su vez varias fases o momentos relacionadas con las características de sus pinturas. La relación con el surrealismo francés sirvió a Miró para abandonar su época detallista, aunque nunca del todo. En realidad, lo que Miró hizo fue sintetizar la magia ya apuntada en aquella etapa y crear su personal estilo: aprovechó el potencial que le ofrecía el surrealismo, en lo inconsciente y lo onírico y supo encontrar el material para futuras obras. El cambio puede apreciarse en “Tierra labrada”, con clara alusión a “La masía“, pero ya con elementos surrealistas. Acababa de nacer la nueva “caligrafía pictórica mironiana”.
Las pinturas más interesantes de este periodo, son:

 Carnaval de Arlequín(1925), completamente surrealista.
- ”Interiores holandeses”, 1927 y “Retratos imaginarios”, 1927
- Sus famosos “collajes” (de los que deriva la serie “construcciones”, 1930
- Serie “constelaciones”, 1940-1941</i>

En estas series pictóricas, Miró transformó y mezcló las ideas de sus sueños surrealistas con espacios vacíos en los que imperaba el grafismo, la recuperación perspectiva y las formas minuciosamente analizadas.
A partir de 1930 Miró dibujó y se dedicó intensamente a otra alternativa, el collage de formas imprecisas y dejando los bordes al aire. En este marco crea la serie “construcciones”, 1930: recorta diarios en formas no regulares y pega sobre láminas de papel y deja que me sugirieran formas.
Las «Constelaciones» forman una serie de 23 pequeñas obras realizadas con un soporte de papel que Miró humedecía con gasolina y lo fregaba hasta conseguir una superficie con una textura rugosa. Después ponía el color manteniendo una transparencia, para crear el aspecto final deseado.
ETAPA FINAL, desde 1950 – 1980

Por último, y sobre todo a partir de los años 50, Miró entró en una nueva etapa, donde repetidamente alude a la tierra, el cielo, los pájaros y la mujer, usando colores primarios. Es la Etapa de los grandes murales mironianos. En 1956, recibió el encargo de realizar dos murales cerámicos para la sede de la Unesco, que fueron el prototipo para todos los siguientes, incluido el del nuevo Palacio de Congresos de Madrid que se inauguró en 1980.

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OBRAS DESTACADAS
Pinturas

• Nord-Sud, 1917 óleo, Galería Adrien Maeght en París.
• Ciurana el pueblo, 1917,
• Ciurana la iglesia 1917
• autorretrato, 1919
• La masía, 1921 óleo, National Gallery of Art de Washington.
• Retrato de bailarina española, 1921 óleo Museo Picasso de París.
• Tierra labrada, 1923 óleo, Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.
• Carnaval de Arlequín, 1924 óleo, Albright-Knox Art Gallery de Búfalo
• Serie de tres pinturas: Interior holandés, 1928 óleo, mueseo Arte Moderno de Nueva York, entre otros.
• Caracol, mujer, flor y estrella, 1934 (Museo del Prado)
• Mujer y pájaros al amanecer
• Bodegón del zapato viejo, 1937.
• Corrida de toros
• Serie de 24 gouaches: Constelaciones, 1940-1941.
• Serie de 3 pinturas: Azul, 1961 óleo, Centro Georges Pompidou de París
• Personaje delante del sol, 1968 acrílico, Fundación Miró en Barcelona.
• La esperanza del condenado a muerte, 1974 Fundación Miró en Barcelona.
Murales cerámicos,
• Murales cerámicos del Sol y la Luna, 1958, Sede de la Unesco en París.
• Mural cerámico para la Universidad de Harvard, 1950.
• Mural cerámico de la Handekshochschule, 1964 de Sankt Gallen en Suiza.
• Mural cerámico de la Fundación Maeght, 1964 en Saint-Paul-de-Vence.
• Mural de cerámica de la terminal B, 1970 del Aeropuerto de Barcelona.
• Murales cerámicos para el pabellón del Gas, 1970 para la exposición internacional de Osaka
• Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum , 1971 de Ludwigshafen.
• Mural de cerámica de la Cinemateca, 1972 de París.
• Mural cerámico del nuevo Palacio de Congresos de Madrid, 1980.

En 1958, se editó un libro con el título “Constelaciones” de muy pocos ejemplares, con la reproducción de veintidós aguadas de Miró y con veintidós prosas paralelas escritas por André Breton.

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FILOSOFÍA DE ALCOBA
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Un cuerpo hecho de seda blanca,
encajes, sensualidad,
deseos que brotan en texturas, formas,
olores de alcoba,
redondeces, pechos…
Sin eufemismos, sin puritanismos,
palpitante realismo mágico,
arte visual…
Provocador Magritte? Posible,
Inventor de imágenes, seguro.
También narrador de lo cotidiano…
Hay en este espejismo, sensualidad,
hogueras a encender
que buscan la combustión del amante,
la sorpresa del espectador…
Objeto y concepto recreando
un mundo sensual e irónico…
Y más cerca, fetichismo,
rumor de pasos…zapatos
unidad erótica, mundo onírico,
filosofía de la alcoba…
¿y si el deseo fuera mujer?.

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RENE MAGRITTE
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René François Ghislain Magritte (Bélgica 1898-1967) fue un pintor surrealista al que se le relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí., El surrealismo de Magritte fue evolucionando con los años hacia un estilo muy personal que le llevó investigar las ambiguas relaciones entre palabras, las imágenes y los objetos que éstas denotan, cuestionando con un gran ingenio la realidad pictórica.
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Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial.
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A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus fantasías personales, sino que se expresa con agudeza, ironía y espíritu de debate. Su obra es, ante todo, conceptual: Magritte apela a la inteligencia del espectador, buscando siempre la contradicción intelectual o verbal. De hecho, el título de sus obras es también surrealista y raramente se corresponde con el contenido.
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La obra de René Magritte es una permanente invitación a la reflexión a partir de los objetos más cotidianos. Por ello, a su obra a veces se la califica de “realismo mágico”: es el arte entendido como representación… Un arte que, con apariencia rigurosamente objetiva provocará inquietud o sorpresa al estar inspirada en lo absurdo, en la parodia o en lo insólito, como es el caso del cuadro que he elegido “FILOSOFÍA EN LA ALCOBA” .
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Magritte escribió:<<la importancia de la obra y el poder del pensamiento se manifiesta desvelando y evocando el misterio de los seres que nos son familiares. El poeta que escribe piensa con palabras familiares, el poeta que pinta piensa con figuras familiares de lo visible. La escritura es una descripción invisible del pensamiento, y la pintura es la descripción visible».
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Como Jorge Luis Borges hiciera en el campo de la poesía, Magritte , en su pintura, recurrió a los objetos hasta la extenuación, para poder demostrar que no se debe confundir la realidad con su reflejo.
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Magritte visualizó los misterios del mundo, los misterios del inconsciente, creando para ello una técnica propia, con la que crea objetos nuevos y transforma los existentes.
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Marcel Mariën, amigo de Magritte, a raíz de su muerte hizo esta declaración: “La obra de Magritte se extiende a la historia del pensamiento por haber inventado un método y haber puesto a punto un verdadero lenguaje que recuerda, en sus ambiciones, al lenguaje filosófico”.
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Magritte siempre rechazó con firmeza toda interpretación psicoanalítica de su obra, ya que el arte, tal y como él lo concebía, es refractario al psicoanálisis. Dijo: <<mi arte evoca el misterio sin el cual el mundo no existiría. La motivación de lo que yo pinto es la existencia misma del hombre y los interrogantes que ello suscita en cuanto al sentido de la vida y de la muerte…>>
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René Magritte, es, sin duda, uno de los más grandes humoristas del siglo XX. En ingenio y perspicacia se le equipara con Mack Sennett —por quien el pintor mostró siempre particular fascinación— y con Charles Chaplin.

 Magritte es un pintor atrevido, sensual y anárquico. Sus escandalosas sintaxis de la conciencia y la inconciencia y su lúcido histrionismo convierten su arte — tal y como él mismo lo confesó— en un “sentimiento de ligereza, de ebriedad y de dicha”.
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Magritte se sentía “responsable del universo” y quiso, gracias a los medios de que disponía, cambiar el mundo, “revocar el viejo edificio”. Estos medios tienen nombre: libertad, sueño de vigilia, misterio, poesía, provocación, turbación… y las armas que emplea para hacer diana pertenecen a su universo familiar (que es también el nuestro): maniquí, puerta, cielo, ventana, mar, cascabel, bolo… Los pinta con la mayor nitidez posible pero provocando asociaciones inesperadas que le permiten alcanzar el fin buscado: crear un clima poético que nos desorienta, nos desconcierta y nos hace así bordear el misterio, fuente de todo conocimiento.

 Su filosofía, ¡tan particular!, la apoyó en el principio de que la mejor forma de burlar las apariencias consiste en saber cómo burlarse de ellas. La obra de Magritte, llena de poesía y de ideas nuevas, reinventa la naturaleza y nos enseña a ver.
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Tanto en el cuadro elegido “LA FILOSOFÍA DE LA ALCOBA”, como en el conjunto de su obra, Magritte se empeña en descubrir lo que los objetos de la cotidianidad insisten celestinamente en ocultarnos con pudor enfermizo.
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NOTA: Cómo podréis observar en el video los cuadros están clasificados por décadas: los 20-30-40-50-60.
En el primer espacio para comentarios pongo el nombre de los cuadros en el orden que aparecen,…creo , a mi me lo ha parecido, que saber el nombre del cuadro da una idea del surrealismo conceptual “RELAISMO MÁGICO” de este genio …y no sólo de la pintura, de todos los tiempos.

Espero y deseo que este trabajo sea de vuestro agrado.
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ESTOS SON LOS TÍTULOS DE LOS CUADROS (ES MUY INTERESANTE LA COMPARACIÓN TÍTULO-IMAGEN).

Los nombres aparecen en el video, pero los pongo aquí por si queréis tenerlos de guía ya que en video posiblemente no de tiempo a leerlos.

SIGLO XIX

AÑOS VEINTE: Los amantes – La Historia Central – La tentación Imposible – El espejo falso – la vida inventada – Relaciones peligrosas – Descubierta – Doble secreto – Esperando al asesino –Reproducción prohibida.

AÑOS TREINTA: La violación – La lleve de los Campos – La condición humana – El terapeuta – El modelo color rojo – El lado oscuro – La Gigante – La magia negra – veneno – Descubrimiento del fuevo – Varios de “La traición de las imágenes”.

AÑOS CUARENTA: Filosofía de Alcoba – El universo prohibido – El jinete perdido – El primer día – Retorno – La familia – Los paseos de Euclides – La memoria – La cicerone.

AÑOS CINCUENTA: Las vacaciones de Hegel – La Señora Récanier – El balcón de Manet – La caída – Los valores personales – Bellas realidades – Hecho en el Bosque – La caja de Pandora – La canción de la púrpura – El arte de la conversación – El castillo de los Pirineos – El Hada ignorante.

AÑOS SESENTA: El hijo del hombre – El poder blanco – El siglo de las luces – cascada – cuerda – telescopio – Misantropía – El bello mundo – Espíritu presente – La gran mesa.

clica en la flecha si te apetece escuchar una música suave de Kítaro .

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EL BESO

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Un beso,
cuerpos entregados…
Manto de colores, puñado de flores,
que en su luz dorada envuelven la desnudez de dos cuerpos…
Beso, pasión, sumisión…
El, hombre, erguido, atrapando el deseo silencioso, la pasión.
Ella, mujer, arrodillada ante el amante,
sumisa que se rinde al deseo,
brazo no cerrado, pájaro cautivo en vuelo abierto,
pies descalzos arañando la fría roca
ante un precipicio de flores.
Beso, pasión, deseo, sumisión.
Hombre-mujer,
encuentro.

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El beso, posiblemente su cuadro más universal, realizado entre 1907-08, está expuesta en la Österreichische, Galerie Belvedere de Viena.

Su visión debería completarse con la del friso de Klimt en el comedor del Palacio Stoclet de Bruselas, “El árbol de la vida”, 1905, en el que la metamorfosis se consuma y se produce el nacimiento de un nuevo laurel. Se trata de una perspectiva, apoyada en la literatura, que da un sentido a esta obra de Klimt en un contexto iconográfico, no sólo metafórico, de la historia del arte.

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Gustav Klimt – Viena (1867-1918)

La obra de Gustav Klimt es singular, y da la impresión de que en ella se encierran claves íntimas; pero, al mismo tiempo, es una síntesis _ casi podría decirse exhaustiva _ de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística moderna europea de los años del cambio de siglo.
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El objetivo de Klimt era un arte idealista y autorreferencial, libre de hipotecas y compromisos.
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Klimt representa una particular visión del Modernismo que ha hecho que sea considerado un referente del Simbolismo, debido al “significado oculto” que caracteriza sus obras. El BESO , por ejemplo, no es lo que aparenta…
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El estilo de Klimt rompió con el ideal académico y se caracterizó por el empleo de un intenso colorido, el uso frecuente de fondos dorados y la utilización de muchos ornamentos florales en sus cuadros.
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El tema que trata en la mayoría de sus cuadros es la sexualidad femenina recorriendo el ciclo de la vida en todas sus etapas: procreación, gestación, infancia, juventud y vejez, salud y hermosura, enfermedad y muerte.
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La mujer como amenaza y promesa a un tiempo.: La mujer es sin duda el catalizador mítico del simbolismo de Klimt.

“Klimt vivió la vida igual que la pintó”..
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En 1909 visita París, interesándose especialmente por la obra de Toulouse-Lautrec y de los fauvistas, encabezados por Matisse. A su regreso a Viena se produce un importante cambio en su pintura que le lleva a finalizar la llamada “etapa dorada y abrir paso a una nueva y peculiar etapa identificada como caleidoscópica, en la que el decorativismo y la diversidad de colores se adueñan de sus telas.

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TODOS MIS VIDEOS : LA MUJER EN LA PINTURA

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TAMARA LAMPICKA, Moscú 1895-Méjico 1980, vivió los meses previos a la revolución bolchevique sin especiales contratiempos, pues al círculo de los Lempicki y afortunados rusos de la época que se distraen con lujosas fiestas, las aventuras del zar, o discuten los pormenores del asesinato de Rasputín a manos del gran duque y del príncipe Félix Yusupov, trae sin cuidado que la gran mayoría de los ciudadanos pasen hambre y no tengan ni carbón para soportar el frío invierno ruso. La futura pintora Lempicki es conocedora por lo tanto del intento contrarrevolucionario del general Kornílov.
Tras huir de Moscú y ya instalada en París, Tamara Lempicka destacó por sus retratos y desnudos femeninos, de pleno estilo art déco. En 1925 participa en la exposición art déco de París y consigue un reconocimiento como artista. …Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, y el Cubismo (aunque sin llegar al arte abstracto).
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En París se convierte, en pocos años, en estrella de la pintura de entreguerras. Vivió como pintó, de forma excéntrica y desmesurada: mujer ambiciosa, fría, egoísta, de belleza distante y severa…que tras sus juergas de orgías privadas, visitas a los garitos en la orilla del Sena donde corría la droga, volvía a casa, y entre las brumas de la cocaína y del recuerdo del sexo furtivo con desconocidos de ambos sexos, pintaba sus telas hasta caer rendida en las primeras horas de la mañana. Fue su forma de buscar excitación para aguantar el sopor de su existencia y del acomodado vacío en que se ahogaba.
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A partir de 1927 su cotización sigue en aumento tras la exposición de París en 1925, en la que ella se identificó con aquella y efímera tendencia de lo que, cuarenta años después, se conocería como art déco. En París permanecerá hasta 1939. Son sus años de gloria. Conoce a muchas celebridades, desde André Gide a Greta Garbo, y empieza a conseguir verdaderas fortunas por la venta de sus cuadros. Aún le quedaban muchos años por vivir, pero Tamara de Lempicka había muerto como artísta en 1939.
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Tamara de Lempicka fue en definitiva una pintora célebre en la Europa de los años treinta, al menos en los círculos de la nobleza declinante y de la burguesía rica, que disputaban ser retratados por ella.
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En 1972, siendo ya una anciana, una exposición de sus obras en París y otra exposición celebrada en Londres en 2004 , la hicieron de nuevo famosa, rescatándola del olvido.
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Algunos de sus retratos y de sus desnudos siguen atrayendo, tal vez porque son ya para la sociedad actual el reflejo oscuro de una época vigorosa y ruin, atrevida y obsesiva, ansiosa y degradada.
La transgresión de Tamara es pues inocua, intrascendente y sólo en lo personal. Tamara crea una poética de la evasión, del lujo nihilista, un arte burgués en el que las corruptas capas adineradas de los años de entreguerras se reconocen.

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ART DÉCO

El estilo Art Déco presupone explicar un conjunto de diferentes manifestaciones estéticas que se dieron cita en la Exposition Internationale de Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 y que fueron conmemoradas en la retrospectiva titulada “Les Annés 25″ llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs en 1966.
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Este arte ejemplariza una época de la decoración que inundó todos los ámbitos de la vida cotidiana, alternando con los movimientos de vanguardia. Son los años de entreguerras, los 20 y los 30, los “años Locos”, la “Belle Epoque” que quedaron insertos en la historia del siglo XX y de la decoración como los años del Art Déco.
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La estética pro-Art Déco de Lempicka atrajo a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas. Sus desnudos y retratos ayudan a comprender porqué la cantante Madonna es una de las mayores coleccionistas de su obra y en la que ha tenido visible influencia. Madonna se inspiró en esta pintora para su video musical Vogue de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el de Open your heart. También el borbón Alfonso XIII, en 1934, ya en el exilio, quiso ser retratado por Tamara, pero “dicen” que no pudo soportar el “duro trato” que le daba la pintora.
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Hoy, conocemos con detalle su vida gracias a su principal biógrafa, Laura Claridge-1990. Lempicka, que inventó su propia leyenda personal, mintió durante toda su vida sobre su origen, edad y su implicación política en los círculos zaristas de la Rusia pre-revolucionaria.
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También Hoy es cierto que, si bien a mediados de los noventa se pagaban por uno de sus cuadros casi dos millones de dólares, su pintura corre el riesgo de convertirse en motivo para calendarios, sin criterios artísticos, un objeto del deseo de nuevos ricos hollywoodianos, como la cantante Madonna o el actor Nicholson, que coleccionan sus cuadros, y a quienes atrae el toque de depravación que tanto gustaba en los años treinta.

El estilo Art Déco presupone explicar un conjunto de diferentes manifestaciones estéticas que se dieron cita en la Exposition Internationale de Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 y que fueron conmemoradas en la retrospectiva titulada “Les Annés 25″ llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs en 1966.
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Este arte ejemplariza una época de la decoración que inundó todos los ámbitos de la vida cotidiana, alternando con los movimientos de vanguardia. Son los años de entreguerras, los 20 y los 30, los “años Locos”, la “Belle Epoque” que quedaron insertos en la historia del siglo XX y de la decoración como los años del Art Déco.
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La estética pro-Art Déco de Lempicka atrajo a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas. Sus desnudos y retratos ayudan a comprender porqué la cantante Madonna es una de las mayores coleccionistas de su obra y en la que ha tenido visible influencia. Madonna se inspiró en esta pintora para su video musical Vogue de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el de Open your heart. También el borbón Alfonso XIII, en 1934, ya en el exilio, quiso ser retratado por Tamara, pero “dicen” que no pudo soportar el “duro trato” que le daba la pintora.
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Hoy, conocemos con detalle su vida gracias a su principal biógrafa, Laura Claridge-1990. Lempicka, que inventó su propia leyenda personal, mintió durante toda su vida sobre su origen, edad y su implicación política en los círculos zaristas de la Rusia pre-revolucionaria.
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También Hoy es cierto que, si bien a mediados de los noventa se pagaban por uno de sus cuadros casi dos millones de dólares, su pintura corre el riesgo de convertirse en motivo para calendarios, sin criterios artísticos, un objeto del deseo de nuevos ricos hollywoodianos, como la cantante Madonna o el actor Nicholson, que coleccionan sus cuadros, y a quienes atrae el toque de depravación que tanto gustaba en los años treinta.

RED SOCIAL DE J.L.GARCÍA – GUENDY

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Icono de la pintura holandesa Universal.
Y sobre el fondo oscuro, el pintor holandés
resalta el busto de una muchacha…
Inmensos ojos, inquietos,
piel tersa, labios sensuales,
rostro volteado para ver a su pintor… ,
¿en qué sueñas, Griet…?
Un turbante, exótico, de azul y amarillo
cae sobre tus hombros como un velo…
y reflejando la luz,
esa perla en tu oreja, forma de gota,
instante mágico
que inunda la atmósfera del taller…

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Johannes Vermeer
Johannes Vermeer van, Delft (1632 – 1675), es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz. La obra completa de Vermeer es muy reducida, entre 33-35 cuadros.
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Varios de los primeros cuadros de Vermeer se consideran pintura histórica, un género de alto prestigio en la primera mitad del siglo XVII. Pero fue en la segunda mitad de la década de 1650 cuando en realidad nació el Vermeer que conocemos , con su cambio de estilo hacia la pintura costumbrista. Las razones que le llevan a ese giro radical, aún se discute,..aunque se supone que Vermeer lo hizo para seguir empleando sus técnicas de perspectiva e iluminación, las que le catapultaron a la fama mundial…
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Sólo tres de sus cuadros pueden considerarse retratos, ya que en la mayoría suelen abundar los personajes en escena: Muchacha leyendo una carta, Dama al virginal y La joven de la perla, pintado hacia 1665, su cuadro más conocido y universal.
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Junto con “la Joven de la Perla, otros dos cuadros : “El arte de la pintura”, y la “vista de Delft”, son sus obras más representativas.
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A lo largo de su vida, Vermeer trabajó lentamente y con sumo cuidado usando colores brillantes, así como algunos caros pigmentos: como el azul intenso que destaca en algunas de sus obras, un azul ultramarino natural. Vermeer no sólo empleaba esta técnica en elementos de este tono; los colores terrosos y ocres deben ser entendidos en su obra “fuertemente iluminada” como luz cálida . Esto significa el principio de “que ningún objeto es visto propiamente en su color natural puro”.
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Vincent van Gogh dijo de él:”unir el amarillo limón, el azul pálido y el gris claro es tan característico de él, como la armonización del negro, el blanco, el gris y el rosa en Velázquez”.
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Sabemos hoy que Vermeer empleó una cámara oscura en la mayoría de sus cuadros y, de hecho, él no oculta las condiciones de ese medio, sino que las hace visibles, como se puede reconocer en la falta nitidez de los bordes y los puntos de luz, el famoso «pointillé». Sus cuadros alcanzan de esta forma una calidad «abstracta», ya que no reproducen la realidad tal como es, sino tal como se ve. Se puede decir que la «cámara oscura se convierte en una fuente del estilo»
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Su obra “El arte de la pintura” , hacia finales de la Segunda Guerra Mundial fue escondida en la mina de sal de Altaussee y después de la guerra, el cuadro fue tomado prestado por los estadounidenses, que la entregaron al Museo de Historia del Arte de Viena.
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Vermeer supuso una importante influencia para Salvador Dalí. Salvador Dalí admiró tanto a Vermeer que llegó a comparar el cuadro de “La encajera” con la Capilla Sixtina. Y Dijo: “Miguel Ángel con su Juicio Final no es más extraordinario que Vermeer van Delft con su encajera en el Louvre, de tamaño un palmo cuadrado. Cuando se tienen en cuenta las dimensiones plásticas, se puede afirmar que La encajera es extraordinaria frente a la Capilla Sixtina”.

publicado en Moldeando la Luz

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“Picasso es un movimiento sísmico cuyo epicentro se halla en los dedos de su mano .Picasso es un mudo que inventó la primera palabra. R. Alberti”

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Su sentido iconoclasta con respecto a la tradición, sus valoraciones, siempre sorprendentes y originales, de los modelos del pasado, hacen de Picasso un paradigma de la pintura del siglo XX y que represente “la diversidad en el marco de una rigurosa unidad”.

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Políticamente, Picasso se declaraba pacifista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte. Su obra más universal “El Guernica”, es ante todo una crítica de la muerte del inocente.

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La novedad del color que caracteriza “sus etapas” se halla justificada por el cambio de la temática de su pintura. Picasso abandona el camino de la modernidad moderada y se orientó de forma paulatina hacia planteamientos de una vanguardia radical, que le llevó a la creación de su primera obra maestra: “Les Demoiselles de Avignon”.

 La documentación conocida y los estudios monográficos dedicados a estas dos pinturas hacen de ellas un caso excepcional no sólo del arte de nuestro tiempo sino de toda la historia de la pintura. Lo que el pintor hizo en la experiencia del Cubismo fue destruir un sistema de representación, demostrar que la pintura podía plantearse desde otros supuestos, para después volver al clasicismo y poner de manifiesto que el clasicismo y sus posibilidades no es un lenguaje agotado, que lo que está acabado es el academicismo.

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“Pinto igual que otros escriben su biografía. Los cuadros terminados son las páginas de mi diario” (Picasso)

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LAS SEÑORITAS DE LA CALLE AVIÑÓN
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la puerta de la modernidad, el inicio del cubismo…
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“Las mujeres son máquinas para sufrir” (Picasso)
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Y como tal, su obra enmarca una obsesión: el enfoque de la mujer como sexo misterioso y fascinante, dominio elemental, de exploración erótica. “Las Señoritas de Aviñón”, reflejan eso, una mirada inquisidora sobre la intimidad femenina,…aproximación a las prostitutas de Aviñón.

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Miradas realizadas con pinceladas compulsivas, desestructuradas, distorsionadas, cubistas ya. Cinco MUJERES, cinco rostros desafiantes en el interior de un prostíbulo…Cinco PUTAS grotescas, estilizadas, posturas…imposibles en 5.7 metros cuadrados de lienzo.
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-¿cinco miradas sin tragedias ni pasiones?, ¿Qué dicen?…
-¿o qué quieren que les diga el hombre que se cruza en su frente?.
Cinco putas talladas a pinceladas de cuchillo, sensualidad sin curvas…dislocación anatómica, refracción de miembros.
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Adiós al realismo y a las perspectivas… se abre paso al Cubismo.

En bocetos anteriores el cuadro empezó siendo coro de diosas, escena de bañistas luego, para evolucionar finalmente a un escenario que huele a prostíbulo de la calle Aviñón de Barcelona,
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- a ofrecimiento de sensualidad suavizada…y
- piel de mujer del color rojo, azul, ocre…del cortinaje…de la fruta madura del bodegón..

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Las “Las Señoritas de Aviñón” increpan al visitante. ¿Qué dicen?, o ¿Qué esperan que les diga el contemplador como algo más que un mirón…?
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Triángulos, ojos ibéricos, también algunas máscaras africanas…
La belleza para Picasso no era almibarada, mejor la fetidez.
Ya lo decía él, “mi pintura la utilizo como medio de hacer la guerra”. Picasso utilizó la pintura como arte para destruir lo real.
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No extraña que otros artistas tacharan y tachen su obra

- de presuntuosa impotencia,
- de ignorancia complacida..!qué pérdida para el arte francés!…llegaron a decir.
- de profanación del arte…profanación fea y sucia…

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Tras muchos años escondido, se expuso ese cuadro que, de repente, dejó de ser fecal, para convertirse en un icono del arte, semilla pictórica de una nueva tendencia universal. Había estallado la bomba, se inauguraba el porvenir de la nueva pintura… el cubismo, y Picasso fue el abanderado, con sus “señoritas de Aviñón”.

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- Aquel coro de putas de burdel se convirtió en un coro de ángeles de belleza inédita, convulsa.
- Los colores ocres, rosa, azul y blanco del cuadro habían explotado como granada madura…
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Más de 100 años, y su interpretación es un misterio, se sigue investigando con lupa en su autopsia, como si de un cuadro inacabable se tratara. El no quiso dar su interpretación. Picasso aborrecía las interpretaciones a sus cuadros. El no lo hizo, tampoco lo haré yo.
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“Todos se empeñan en comprender el arte
¿Porqué no intentan comprender el canto de los pájaros?,
¿Porqué nos gusta la noche, las flores,
lo que nos rodea, sin que intentemos comprenderlo? “ (Picasso)

TE INVITO A VER LOS VIDEOS:
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Gustave Courbet (Ornans, Francia, 1819 – La Tour-de-Peilz, Suiza, 1877) fue un pintor francés, máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático.

Contrario al academicismo artístico y literario.   Afirmaba que quería morir «como hombre libre, sin depender de ningún poder ni religión», si bien accedió a participar en el breve gobierno de la Comuna de París de 1871. Creía que el arte podría subsanar las contradicciones sociales. «fundador» del realismo y se le atribuye la invención de dicho término. y afirmaba que el arte debía plasmar la realidad.

Su naturalismo combativo es patente en sus desnudos femeninos, donde evita las texturas nacaradas e irreales tomadas de la escultura neoclásica. Plasma formas más carnales e incluso el vello corporal que habitualmente se omitía en los desnudos académicos. Ejemplo claro de ello es El origen del mundo. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla. • Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

•L’Origine du monde . (1866). Famosísimo desnudo femenino. Largamente oculto, ingresó en el Musée d’Orsay de París y no se exhibió de manera continuada hasta fecha reciente.

(1866) L’Origine du monde by Gustave Courbet

Français : L’Origine du monde
English: The Origin of the World
Español: El Origen del Mundo
Português: A Origem do Mundo
Musée d’Orsay- Paris

(notas tomadas de wikimedia enciclopedia-red)

EL ORIGEN DEL MUNDO

Naturaleza abierta, de par en par, mostrando la verdad.
Sobre un lecho de arena, la vida y el aire en tu cuerpo anida.
Sobre la tierra dura, en incitante apertura, cual manantial de vida
la tierra germina robándote la entraña,
alumbrada de sol y lluvia en la mañana.
Sublime misterio, la realidad, la verdad desnuda,
el origen del hombre, de la vida, del arte,
también del erotismo, sensualidad, de la locura.
La naturaleza es madre, somos mundo,
Y tu, mujer eres el origen, dando caminos, sueños, pan…
Tuyos somos, trigo creciendo

Lola

Alice…, ¿imagen en el recuerdo?

sólo una silla, un peine,

y tu enigmático pensamiento…

Esta vez, sin gato ni ventana, de frente al incógnito espejo,

sórdida habitación, desnudos tus deseos…

¿un adiós?…¿quizá dos copas vacías en el salón?… 

mundo enigmático el de Balthus,

sin luz exterior, sin puerta

que nos muestre los ojos que te observan…

la vida en un sentimiento,

después…!contemplación!

quizá desamor…

Balthazar Klossowski de Rola, Balthus (1908-2001) razona el origen y sentido último de la vía real y erótica de su obra, en el texto de unas cartas Íntima escritas a su primera esposa . Aprovecha esa correspondencia para explicar la característica principal de toda su obra:

“Mi pintura suele añadir un elemento humano ajeno a la obra pero peculiar que nos proporciona un guión no escrito a nuestro cerebro”.

Y añade: “la única explicación válida que precisa un pintor, “la más significativa y fiable”, son sus cuadros, que, “por sí solos, dicen mucho más que todo un discurso”.

“El erotismo de mis cuadros es la réplica contra la deshumanización del hombre, contra la mecanización y automatismos industriales que destruyen la vida emocional y contra los intelectuales, convertidos, durante los años treinta, en payasos y maniquíes de un teatro de sombras funestas”. Así lo estima Balthus.

La realidad es que su obra, mundialmente famosa y reconocida,..es revolucionaria y sus pinturas, las que representan a jóvenes , en posturas eróticas , causaron grandes controversias …: La leçon de guitare y La toilette de Cathy, de 1934, ambos), se acompañan del erotismo más puro y refinado. De estilo completamente diferente son La Rue (1934) y La Montagne (1934), consideradas sus obras mayores .

Balthus en general es morbo puro, el pintor de las lolitas, y ya le hubiera gustado al mismo Picasso alcanzar un titulo tan noble como ese, o una atmósfera tan densa en alguno de sus cuadros, que es la obviedad de que se está pintando algo nuevo y diferente,..

Ha sido el único artista que , en vida, tuvo obras expuestas en el Louvre .

Balthus , sin duda un genio de la era moderna,..íntimo de Picasso, André Bretón…o Feredico Fellini, entre otros..supo esperar…Se dice que se inspiró fundamente en Courbet, Goya , Paul Cezannne y Félix Vallotton…Su obra, sin duda, es una de las más hondas y secretas de la historia del arte moderno. Nunca ocultó su entusiasmo y admiración por el “Cosi fan tutte de Mozart”, los paisajes alpinos, o la poesía de Rilke, en el “libro de las Horas”.

Con razón o sin ella, es considerado uno de los más grandes y turbadores pintores figurativos del siglo XX.

Del “Libro de Las Horas”

Vivo mi vida en ondas crecientes

que se tienden sobre las cosas.

La última acaso no llegue a trazarla,

pero voy a intentarlo.

…

Llevo milenios girando;

y aún no sé si soy alcón o vendaval

Amo las horas oscuras de mi ser

en las que se ahondan mis sentidos;

en ellas, como en viejas cartas,

hallo mi vida cotidiana ya vivida

y lejana y olvidada como una leyenda.

Gracias a ellas sé que tengo espacio

para vivir otra ancha vida intemporal…

He elegido esta pintora porque despierta en mi una sensibilidad especial, a la vez que admiración hacia su personalidad..que creo queda perfectamente reflejada en su libro (también escribió) : Frida Kahlo, El Círculo de los Afectos- Martín Lozano, Luis (2007)- publicado en Moldeando la luz

..

Frida Kahlo (Méjico, 1907-1954) es una muy valorada pintora que basa su producción en el autorretrato, por así decirlo, de sus muchos padecimientos, con el aporte del arte popular mexicano. En realidad, su vida se pareció bastante a una novela y a una pesadilla. En su pintura incluye y mezcla elementos fantásticos, claramente introspectivos y la yuxtaposición de objetos incongruentes, que sin duda, realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con los surrealistas.

Su obra es, además, una de las mejores expresiones de lo que significa SER y de la búsqueda del CONOCIMIENTO DE UNO MISMO y de intentar entender la realidad , tanto lo que tiene como lo que no tiene sentido. Su obra –también la escrita- representa su propia vida y como los adornos de su imaginación, tanto en sentido trágico como alegre, forman parte de ésta, inseparablemente, porque la existencia de uno se compone de lo visible y de lo que la mente de uno va elaborando.
Y ese es precisamente su legado: mostrarnos lo que nadie había mostrado, la vida en su crudo sentimiento, en toda su crueldad, amargura. sus sueños y belleza, sinceridad, desnudez de sentimientos.

Con sus logros y fracasos, sus grandezas o sus miserias, sus aciertos y errores, con la racionalidad y el sentimiento, sus pasiones y sus luchas, son los hombres y las mujeres quienes componen las épocas y las sociedades. 

Estoy convencido de que Dolores González Jiménez, conocida por todos nosotros como Lola, es de esas personas que dejan huella por donde pasan. A través de sus trabajos y sus comentarios me he ido formando una idea sobre ella, ciertamente dentro de la virtualidad donde estamos inmersos.

Las que se salen de la monotonía para brindarnos un poco de magia, alegría, entretenimiento, cultura, cariño y comprensión. Una de esas personas es Lola; me la imagino pasado horas y horas trabajando frente a la pantalla de su ordenador, contrastando, estudiando, repasando sus notas y a veces sufriendo para ofrecernos su desinteresados conocimientos a todos los que habitamos esta comunidad que hacemos entre todos nosotros y a la que algunas malévolas personas tildan de muchas cosas con el ánimo de herirnos y dividirnos: Pero Lola, es capaz de reunir a mucha gente a través de todos los rincones de este espacio virtual, nos abre su corazón mediterráneo y solidario y nos da ánimos para que cada comunero aporte y comparta sus conocimientos en esta colectividad de amigos.

Lo mío no es lo de escribir textos, más bien me inclino por la escritura de las imágenes a través de la luz. Así que la cosa se me ha puesto un poco complicada pues me falta la principal materia para realizar mi trabajo, las fotos, mis fotos.

Por ello, utilizando los retazos gráficos de nuestra reciente historia, algún que otro favor para hacerme con alguna foto de nuestra amiga, un poco de música y ha salido este revoltijo pensando en “Simplemente Lola”.